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Elojosalvaje

ISSN 2362-4027

Caleidoscopios


MAESTROS

“Mi mayor sueño como artista es estar despierto” 

Rogelio Polesello

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Mis fotos son de la muestra Polesello Joven. Malba. 2015.

Rogelio Polesello en Gallery Nights TV. 2012.

Non objetive painting


DOCUMENTOS

«[…]La parte más elevada de esta ciencia nos conduce a una contemplación más factible de la idea del Bien. […] La Geometría nos obliga a contemplar la esencia. […] Es una ciencia del conocimiento del ser, no de lo que está sujeto al cambio o desaparición. […] Conducirá al alma hacia la verdad y dispondrá la mente del filósofo para que eleve su mirada hacia arriba». La República. Platón (526e–527b)

A continuación se incluye el brochure de la Exposición que organizó el Museo Solomon Guggenheim en 1952 con una retrospectiva de los años 1900-1952, titulada Pintura No Objetiva. Incluye la muestra de obras de representantes del Academicismo, Impresionismo, Expresionismo, Cubismo y Abstracción, creadas desde una concepción no ligada a la descripción realista del objeto. Se expusieron obras de Robert Delaunay, Juan Gris, Wassily Kandisnky, Robert Gleizes, Fernand Leger, Lazlo Moholy Nagy, Piet Mondrian, Hans Marc entre otros. Recorriendo las definiciones, la pintura -no objetiva- es aquella derivada de la corriente constructivista rusa, y sus precursores fueron Naum Gabo, Kasimir Malevich y Wassily Kandisnky.

Naum Gabo. Constructivismo ruso

Más info: http://www.penccil.com/gallery.php?p=314184234328

El arte no objetivo, luego “abstracto” intentará visualizar lo espiritual del arte (Wassily Kandinsky), o la necesidad de que la obra revele su dimensión moral a partir de una composición pura y simple. La filosofía de Platón fue el aliento inspirador, quien definía a “la geometría como la forma más elevada de belleza”. (Conceptos que describirá en La República y luego de manera definitiva en el Timeo)

History Channel. Fragmento acerca de los sólidos platónicos.

La abstracción conducirá en la década del 60 al arte conceptual con los artistas estadounidenses Sol LeWitt y Donald Judd quienes se volcaron a un arte de máxima simplificación geométrica motivada y sustentada en las capacidades de la industrialización, lo que más adelante originó el minimalismo expresivo.

Sol LeWitt. For all to see. Documental del Indianápolis Museum of Art (IMA)

Lászlo Moholy Nagy. Barbed Lansdscape. 1917

Piet Mondrian. Composition 8. 1914.

Franz Marc. Sleeping Shepherdess. 1912

Más info

http://www.guggenheim.org/new-york/exhibitions/publications/books/items/view/98

Buenos Aires – Shootings al paso


BEHANCE

https://www.behance.net/danielavdibella

Arte tecnomedial


ARTÍCULOS

Dentro de este blog se incluyen en el apartado Media Experience una síntesis de los contenidos de mi trabajo de tesis de Maestría en Diseño presentado a la Universidad de Palermo en julio 2007, dentro del contexto de la defensa de tesis. Trató sobre la presentación y desarrollo de un programa curricular de contenidos sugeridos para una carrera de Arte Tecnomedial. Fecha de recepción: octubre 2007 / Fecha de aceptación: noviembre 2007 / Versión final: febrero 2008.

Los contenidos se pueden citar siempre que se incluya la fuente impresa y/o digital.

Di Bella, Daniela V. (2008). Arte Tecnomedial:  Programa Curricular. Cuadernos del Centro de Estudios en Diseño y Comunicación (Ensayos) Nro. 25 , (2008). pp39 – 75. Universidad de Palermo. Disponible en: http://fido.palermo.edu/servicios_dyc/publicacionesdc/vista/detalle_publicacion.php?id_libro=112

Di Bella, Daniela V. (2008). Arte Tecnomedial:  Programa Curricular. Disponible en: http://www.elojosalvaje.com/mediaexperience.

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ACADEMIA

https://palermo.academia.edu/DanielaDiBella

La imagen pertenece a David Adey Flock (2010) 40 Ceramic lambs neon electronics (ph.Luis de Jesus)

DOMA!


ENTREVISTA
“…Fue un momento donde muchas cosas confluían. El descubrimiento de nuevos medios y tecnologías, el cambio de lo análogo a lo digital, la música electrónica, la animación por computadora.  Se sentía estar en la puerta del nuevo paradigma, pero lo mas profundo son los múltiples cambios sociales y políticos que comenzamos a vivir con consciencia … y que sin duda alimentaron mucho desde lo conceptual todos los proyectos…”
Doma es un grupo de artistas que comenzó con acciones de arte callejero, a través de stencils, instalaciones urbanas y campañas absurdas. Sus integrantes provienen de la Ilustración, el Diseño Gráfico y la Imagen y Sonido. Sus trabajos se sitúan en el límite del diseño y el arte. Producen arte de instalación, Art-Toys, Motion Graphics, Vjeing, cortos en video y libros. El grupo se autodefine como una compañía que acepta proyectos “comerciales” de arte con libertad artística. Vaya un agradecimiento al tiempo y dedicación destinado a responder mis preguntas. A continuación las respuestas, trabajos e imágenes.
EOS: 1. Me interesé por DOMA cuando vi la imagen del desaparecido canal Locomotion allá por 2001… y desde alli me converti en una seguidora persistente.. ¿En qué consistió el proyecto CEROUNO?
DOMA: Cerouno fue algo extraordinario que nos sucedió en nuestros primeros años con el grupo. Habiamos hecho un corto en animación con cierto reconocimiento, y varias menciones en festivales… “Tema Composición: La Vaca”. A partir de eso Locomotion nos contacta para producir una serie de Ids, separadores experimentales del canal. La relación comenzó muy bien con este primer proyecto juntos y al poco tiempo nos invitaron a producir y presentar un mediometraje experimental animado de 24 min. Nos dieron libertad total para trabajar, y se prestaron a realizar toda una campaña bastante compleja que propusimos, donde el mismo canal denunciaba oficialmente que iba sufrir una intervención vandálica desde un satélite pirata por un grupo desconocido. Se generó un gran revuelo… estaba comenzando el capitulo estreno de la nueva temporada de Southpark cuando se corta la señal , interferencia y aparece el corto experimental CEROUNO de Doma.  Año 2001, unos pocos meses después, sucedió el atentado a las Torres Gemelas.

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Aspectos inquietantes de la era de la subjetividad: lo deseable y lo posible


ARTÍCULOS
A continuación sigue un artículo que escribí como una reflexión sobre los aspectos que signan la construcción de la subjetividad contemporánea, su relación con la educación y con la creatividad. Este artículo forma parte de una colección de escritos sobre la subjetividad.
He intentado hacer una aproximación, todos los conceptos vertidos en este escrito son discutibles porque todos observamos la realidad desde distintas perspectivas y sobretodo merecería según mi opinión un “espacio particular de debate” dentro de las instituciones que se dedican a educar, incluidas todas aquellas que extensivamente nuclean personas (es decir todas las instituciones), dado que las personas habitando en las distintas comunidades siguen un camino de autoformación mutua y signada no solo por el tiempo histórico, sino también por su ser social dentro de la comunidad.
 
Disponible en:
http://www.scielo.org.ar/scielo.php?pid=S1853-35232013000100010&script=sci_abstract

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Resumen:
Vivimos un cambio de paradigma y un retorno a la subjetividad, dentro de un contexto fragmentado cuyas bases han sido vulneradas, donde las piezas están dispersas, y muchas se han perdido o cambiado. En este contexto la definición de la propia subjetividad ciertamente se puede convertir en una incógnita, en un vacío de desorientación y dificultades, donde el escenario nos demanda e involucra en una subjetividad des-subjetivizada, fatalmente acentuada y barrada por la hiperestimulación de los media. El educador está cada vez más comprometido en encontrar y proporcionar al individuo las pistas, y llaves hacia la propia subjetividad significada o del flujo personal creativo.

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Claves: absoluto – aprendizaje – complejidad – desubjetivización – flujo creativo – posmodernidad – relativo – significación – transformación.

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El Todo / La Nada
Según las divisiones aceptadas por los historiadores, el acontecimiento que da cierre a la Edad Moderna es la Revolución Francesa en 1789 y con ella, una sucesión de derivaciones y transformaciones aceleradas y vertiginosas, fueron las que vienen definiendo desde entonces hasta hoy, lo que seguimos transitando como edad contemporánea, edad a la que muchos definen como posmoderna, para decir con alguna palabra lo que ha seguido a la modernidad. Según venimos escuchando desde los ´80 aproximadamente, gran parte de los ideales de la modernidad son los que la posmodernidad da por tierra, es la era del fin de los grandes relatos, del fin de la construcción de la realidad como se la conocía en el sentido de un hombre dotado de humanismo, inmerso en un ideal de progreso social para la humanidad, esto es lo que hace pensar a muchos que esta palabra no sea tan exacta como para definir a la sucesora, ya que no la evoluciona en el sentido de los intereses y objetivos de la modernidad. Contrariamente otros piensan que denominaciones más precisas podrían ser modernidad tardía, era de la globalización, o capitalismo tardío.

Más allá de la palabra, la edad contemporánea se inicia a fines del 1700 hasta los días de la actualidad, y es aquella que ha pasado de la era preindustrial, a la revolución industrial y postindustrial; las guerras mundiales y el brutal genocidio punto de partida de la crisis de la noción de hombre y humanismo; del consumo local, a la generalización de bienes y servicios, al consumo, consumismo y el universo social segmentado por marcas, deseos y significaciones del consumidor, hasta la compulsión de compra; de las divisiones del mundo: subdesarrollados y desarrollados, los del primer y tercer mundo; de la idea de confort al de nivel de vida, luego goce, bienestar, placer y hedonismo; de la manipulación genética, vulneración de la biología y los principios medioambientales que ponen en situación de incertidumbre la habitabilidad del mundo para las presentes y futuras generaciones; de la desigualdad social y distribución espacial; de la aceptación de la diferencia, lo alternativo, y lo plural; de la exacerbación del sistema capitalista y los supraobjetivos financieros; de la cultura de masas y del arte sin academia, del antiarte, del arte sin belleza y sin románticos; de la cultura y la sociedad atravesada por los media, la tecnología digital, las redes, las comunidades virtuales y un sistema de comunicación babelizado; de la era de la globalización del mercado, globalización de las costumbres y globalización de la cultura; del pasaje de la consistencia a la inconsistencia, y de la inconsistencia divertida y descaradamente rentable; de la cultura de la imagen, del ser por lo que se ve y lo provocativamente fashion; del auge de la cosmética, la imagen corporal, las cirugías estéticas, la supravaloración de la juventud; de la banalización de las relaciones humanas, la liquidización de los sentimientos, la disolución de la familia como núcleo organizante de la sociedad, la implantación de la familia disfuncional; el olvido de los abuelos y los adultos, la relativización de las tradiciones familiares, creencias y religiones; de la atomización del hombre, el individualismo, la soledad, la compulsión y la socialización de las adicciones; (…) la lista continúa (…), estos y otros muchos aspectos siguen determinando un devenir que parece haber tenido un inicio fijado por la historia, pero cuya progresión no parece encontrar limitantes para seguir avanzando.
Como producto de esta progresión, Vattimo y Lyotard, expresan que en la era actual los conceptos de sujeto y objeto entran en un terreno oscilante y están presos de una “ontología débil”, donde el nihilismo es la oportunidad posthistoricista de comprender la historia de lo que no fue, el momento de analizar desde la experiencia, la convivencia con la nada, lo relativo y el sabor de la incertidumbre (Vattimo, s/f) (Tachetta, 2011).

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Jonathan Ball: Character Designer


ENTREVISTA
…Hay muchos personajes que son marcas… se necesita algún tipo de aplicación para convertir un personaje en una marca, como un programa de televisión, un juego o un libro… Es un hecho que los diseñadores de personajes sientan que les encantaría ver sus creaciones realizadas en TV o como juguetes en algún momento… Jonathan Ball

elojosalvaje tuvo oportunidad de conversar con Jonathan Ball, un diseñador creativo y provocador que trabaja animación, diseño de personajes, videojuegos, y gráfica.Vaya un agradecimiento al tiempo y dedicación destinado a responder mis preguntas. A continuación sus respuestas, trabajos e imágenes. Se incluye intercalado el texto original de la entrevista.

EOS: 1. ¿Cuántos y quiénes son los creativos que trabajan en PokedStudio?

JB: PokedStudio funciona por mi cuenta y trabajo con varios profesionales independientes en varios proyectos sobre todo cuando se trata de videojuegos y animaciones.

EOS: 1. How many and who are the creative people that works at PokedStudio?

JB: I run Pokedstudio on my own and work with several freelancers on various projects, such as games and animations.

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Edward Hopper


GALERÍA
“Encuentro siempre en mi trabajo una intrusión perturbadora de elementos no de parte de mi visión más interesada​​, junto con la inevitable destrucción y sustitución de esta visión por la obra misma a medida que avanza. ” Edward Hopper

La escuela Ashcan fue un grupo de pintores neoyorkinos entre los años 1908 y 1918 interesados en representar la vida cotidiana social y urbana, muchas veces en un registro naturalista de los suburbios y situaciones marginales de los barrios norteamericanos, propugnando la idea de un arte para la vida y no para el arte. Dentro de esta escuela se puede incluir el trabajo de Edward Hopper (1882-1967), donde el artista se centra en el manejo fotográfico de la luz, la descripción de sus impresiones domésticas, el retrato de la soledad, escenas de la vida y los estereotipos humanos. La mirada cinematográfica de Hopper basada en su introspección hacen que sus obras parezcan suspendidas en el tiempo, tanto que directores como Alfred Hitchcock y David Lynch se hayan tomado e inspirado para sus filmes en los encuadres y las atmósferas del artista.

Luz del sol (Sunlight)

“Tal vez no sea muy humano, lo que yo quería  hacer era pintar la luz del sol sobre el lado de la casa”

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