doma-logo-compartir


Leave a comment

DOMA!


ENTREVISTA
“…Fue un momento donde muchas cosas confluían. El descubrimiento de nuevos medios y tecnologías, el cambio de lo análogo a lo digital, la música electrónica, la animación por computadora.  Se sentía estar en la puerta del nuevo paradigma, pero lo mas profundo son los múltiples cambios sociales y políticos que comenzamos a vivir con consciencia … y que sin duda alimentaron mucho desde lo conceptual todos los proyectos…”
Doma es un grupo de artistas que comenzó con acciones de arte callejero, a través de stencils, instalaciones urbanas y campañas absurdas. Sus integrantes provienen de la Ilustración, el Diseño Gráfico y la Imagen y Sonido. Sus trabajos se sitúan en el límite del diseño y el arte. Producen arte de instalación, Art-Toys, Motion Graphics, Vjeing, cortos en video y libros. El grupo se autodefine como una compañía que acepta proyectos “comerciales” de arte con libertad artística. Vaya un agradecimiento al tiempo y dedicación destinado a responder mis preguntas. A continuación las respuestas, trabajos e imágenes.
EOS: 1. Me interesé por DOMA cuando vi la imagen del desaparecido canal Locomotion allá por 2001… y desde alli me converti en una seguidora persistente.. ¿En qué consistió el proyecto CEROUNO?
DOMA: Cerouno fue algo extraordinario que nos sucedió en nuestros primeros años con el grupo. Habiamos hecho un corto en animación con cierto reconocimiento, y varias menciones en festivales… “Tema Composición: La Vaca”. A partir de eso Locomotion nos contacta para producir una serie de Ids, separadores experimentales del canal. La relación comenzó muy bien con este primer proyecto juntos y al poco tiempo nos invitaron a producir y presentar un mediometraje experimental animado de 24 min. Nos dieron libertad total para trabajar, y se prestaron a realizar toda una campaña bastante compleja que propusimos, donde el mismo canal denunciaba oficialmente que iba sufrir una intervención vandálica desde un satélite pirata por un grupo desconocido. Se generó un gran revuelo… estaba comenzando el capitulo estreno de la nueva temporada de Southpark cuando se corta la señal , interferencia y aparece el corto experimental CEROUNO de Doma.  Año 2001, unos pocos meses después, sucedió el atentado a las Torres Gemelas.

Continue reading

wallpaper-download-free-style-42207.jpg


Leave a comment

Aspectos inquietantes de la era de la subjetividad: lo deseable y lo posible


ARTÍCULOS
A continuación sigue un artículo que escribí como una reflexión sobre los aspectos que signan la construcción de la subjetividad contemporánea, su relación con la educación y con la creatividad. Este artículo forma parte de una colección de escritos sobre la subjetividad.
He intentado hacer una aproximación, todos los conceptos vertidos en este escrito son discutibles porque todos observamos la realidad desde distintas perspectivas y sobretodo merecería según mi opinión un “espacio particular de debate” dentro de las instituciones que se dedican a educar, incluidas todas aquellas que extensivamente nuclean personas (es decir todas las instituciones), dado que las personas habitando en las distintas comunidades siguen un camino de autoformación mutua y signada no solo por el tiempo histórico, sino también por su ser social dentro de la comunidad.
 
Disponible en:
http://www.scielo.org.ar/scielo.php?pid=S1853-35232013000100010&script=sci_abstract

. . .

Resumen:
Vivimos un cambio de paradigma y un retorno a la subjetividad, dentro de un contexto fragmentado cuyas bases han sido vulneradas, donde las piezas están dispersas, y muchas se han perdido o cambiado. En este contexto la definición de la propia subjetividad ciertamente se puede convertir en una incógnita, en un vacío de desorientación y dificultades, donde el escenario nos demanda e involucra en una subjetividad des-subjetivizada, fatalmente acentuada y barrada por la hiperestimulación de los media. El educador está cada vez más comprometido en encontrar y proporcionar al individuo las pistas, y llaves hacia la propia subjetividad significada o del flujo personal creativo.

. . .
Claves: absoluto – aprendizaje – complejidad – desubjetivización – flujo creativo – posmodernidad - relativo – significación – transformación.

. . .

El Todo / La Nada
Según las divisiones aceptadas por los historiadores, el acontecimiento que da cierre a la Edad Moderna es la Revolución Francesa en 1789 y con ella, una sucesión de derivaciones y transformaciones aceleradas y vertiginosas, fueron las que vienen definiendo desde entonces hasta hoy, lo que seguimos transitando como edad contemporánea, edad a la que muchos definen como posmoderna, para decir con alguna palabra lo que ha seguido a la modernidad. Según venimos escuchando desde los ´80 aproximadamente, gran parte de los ideales de la modernidad son los que la posmodernidad da por tierra, es la era del fin de los grandes relatos, del fin de la construcción de la realidad como se la conocía en el sentido de un hombre dotado de humanismo, inmerso en un ideal de progreso social para la humanidad, esto es lo que hace pensar a muchos que esta palabra no sea tan exacta como para definir a la sucesora, ya que no la evoluciona en el sentido de los intereses y objetivos de la modernidad. Contrariamente otros piensan que denominaciones más precisas podrían ser modernidad tardía, era de la globalización, o capitalismo tardío.

Más allá de la palabra, la edad contemporánea se inicia a fines del 1700 hasta los días de la actualidad, y es aquella que ha pasado de la era preindustrial, a la revolución industrial y postindustrial; las guerras mundiales y el brutal genocidio punto de partida de la crisis de la noción de hombre y humanismo; del consumo local, a la generalización de bienes y servicios, al consumo, consumismo y el universo social segmentado por marcas, deseos y significaciones del consumidor, hasta la compulsión de compra; de las divisiones del mundo: subdesarrollados y desarrollados, los del primer y tercer mundo; de la idea de confort al de nivel de vida, luego goce, bienestar, placer y hedonismo; de la manipulación genética, vulneración de la biología y los principios medioambientales que ponen en situación de incertidumbre la habitabilidad del mundo para las presentes y futuras generaciones; de la desigualdad social y distribución espacial; de la aceptación de la diferencia, lo alternativo, y lo plural; de la exacerbación del sistema capitalista y los supraobjetivos financieros; de la cultura de masas y del arte sin academia, del antiarte, del arte sin belleza y sin románticos; de la cultura y la sociedad atravesada por los media, la tecnología digital, las redes, las comunidades virtuales y un sistema de comunicación babelizado; de la era de la globalización del mercado, globalización de las costumbres y globalización de la cultura; del pasaje de la consistencia a la inconsistencia, y de la inconsistencia divertida y descaradamente rentable; de la cultura de la imagen, del ser por lo que se ve y lo provocativamente fashion; del auge de la cosmética, la imagen corporal, las cirugías estéticas, la supravaloración de la juventud; de la banalización de las relaciones humanas, la liquidización de los sentimientos, la disolución de la familia como núcleo organizante de la sociedad, la implantación de la familia disfuncional; el olvido de los abuelos y los adultos, la relativización de las tradiciones familiares, creencias y religiones; de la atomización del hombre, el individualismo, la soledad, la compulsión y la socialización de las adicciones; (…) la lista continúa (…), estos y otros muchos aspectos siguen determinando un devenir que parece haber tenido un inicio fijado por la historia, pero cuya progresión no parece encontrar limitantes para seguir avanzando.
Como producto de esta progresión, Vattimo y Lyotard, expresan que en la era actual los conceptos de sujeto y objeto entran en un terreno oscilante y están presos de una “ontología débil”, donde el nihilismo es la oportunidad posthistoricista de comprender la historia de lo que no fue, el momento de analizar desde la experiencia, la convivencia con la nada, lo relativo y el sabor de la incertidumbre (Vattimo, s/f) (Tachetta, 2011).

Continue reading

Jonathan Ball


Leave a comment

Jonathan Ball: Character Designer


ENTREVISTA
…Hay muchos personajes que son marcas… se necesita algún tipo de aplicación para convertir un personaje en una marca, como un programa de televisión, un juego o un libro… Es un hecho que los diseñadores de personajes sientan que les encantaría ver sus creaciones realizadas en TV o como juguetes en algún momento… Jonathan Ball

elojosalvaje tuvo oportunidad de conversar con Jonathan Ball, un diseñador creativo y provocador que trabaja animación, diseño de personajes, videojuegos, y gráfica.Vaya un agradecimiento al tiempo y dedicación destinado a responder mis preguntas. A continuación sus respuestas, trabajos e imágenes. Se incluye intercalado el texto original de la entrevista.

EOS: 1. ¿Cuántos y quiénes son los creativos que trabajan en PokedStudio?

JB: PokedStudio funciona por mi cuenta y trabajo con varios profesionales independientes en varios proyectos sobre todo cuando se trata de videojuegos y animaciones.

EOS: 1. How many and who are the creative people that works at PokedStudio?

JB: I run Pokedstudio on my own and work with several freelancers on various projects, such as games and animations.

Continue reading

people-in-the-sun


1 Comment

Edward Hopper


GALERÍA
“Encuentro siempre en mi trabajo una intrusión perturbadora de elementos no de parte de mi visión más interesada​​, junto con la inevitable destrucción y sustitución de esta visión por la obra misma a medida que avanza. ” Edward Hopper

La escuela Ashcan fue un grupo de pintores neoyorkinos entre los años 1908 y 1918 interesados en representar la vida cotidiana social y urbana, muchas veces en un registro naturalista de los suburbios y situaciones marginales de los barrios norteamericanos, propugnando la idea de un arte para la vida y no para el arte. Dentro de esta escuela se puede incluir el trabajo de Edward Hopper (1882-1967), donde el artista se centra en el manejo fotográfico de la luz, la descripción de sus impresiones domésticas, el retrato de la soledad, escenas de la vida y los estereotipos humanos. La mirada cinematográfica de Hopper basada en su introspección hacen que sus obras parezcan suspendidas en el tiempo, tanto que directores como Alfred Hitchcock y David Lynch se hayan tomado e inspirado para sus filmes en los encuadres y las atmósferas del artista.

Luz del sol (Sunlight)

“Tal vez no sea muy humano, lo que yo quería  hacer era pintar la luz del sol sobre el lado de la casa”

Continue reading

Eikoh Hosoe


Leave a comment

Eikoh Hosoe – 細江 英公


COMPLEJIDAD

Hosoe es un fotógrafo y cineasta japonés (nacido en 1933) perteneciente a la New Avant Garde japonesa, época que incluye las producciones de artistas, cineastas, fotógrafos y arquitectos innovadores y relevantes del período 1955-1970 pioneros y fundamento de las manifestaciones actuales en Japón. Este período se considera una etapa de renovación donde Tokyo dejó de ser una ciudad desvastada por la segunda guerra mundial, para convertirse en un centro internacional de arte, creatividad, cultura y comercio. Pertenecen a estos años una serie de experimentos vanguardistas, multiplicidad de artistas y el profuso crecimiento urbano de Japón y desarrollo vanguardista de sus principales ciudades.

Hosoe es considerado un renovador y destaca por sus imágenes inquietantes, de fuerte contenido dramático, psicológico, simbólico y surreal, ahonda temas relacionados con la naturaleza humana, la irracionalidad, la muerte, la guerra, el erotismo, las obsesiones, los miedos entre otros que guardan un fuerte vínculo pero también con la vulneración de la cultura japonesa, las costumbres, sus orígenes y su infancia. Sus fotografias de alto contraste, en blanco y negro, y sus trabajos fotográficos con temas de desnudos, provocación y expresividad corporal suele ser comparado con los de Robert Mapplethorpe.

Continue reading

love


Leave a comment

Catalina Estrada


ENTREVISTA
“La estética de mis trabajos es colorida, llena de detalles, emotiva, optimista, alegre..”  
lab-esp-banner

Catalina Estrada

elojosalvaje tuvo oportunidad de conversar con Catalina Estrada, una ilustradora nacida en Colombia, apasionada por la naturaleza, los colores, la geometría y los patterns. Sus diseños fueron empleados en productos de distintas marcas como Coca-Cola, Microsoft, Nike, Levis entre otras, en encargos de Unicef e instituciones de Barcelona, Londres e India. Sus trabajos fueron publicados por editoriales de prestigio como Taschen, medios y revistas especializadas como Communications Arts, Harpers Bazaar y 90+10, notas en diarios impresos y online para nombrar algunos de los más resonantes. Catalina actualmente reside en Barcelona, y ha tenido la delicadeza y dedicación de responder a mis preguntas. A continuación sus respuestas, algunos de sus trabajos e imágenes de la entrevista que fue realizada en mayo 2014. Vaya un cálido agradecimiento y un saludo desde Buenos Aires.

EOS 1. ¿Cómo es tu proceso creativo? ¿podes reconocer etapas entre las ideas (forma, color, tema, etc.) y las ilustraciones? ¿Seguis alguna metodología? CE. Por lo general el proceso varía, dependiendo siempre de cada proyecto, de su finalidad, su aplicación, su brief. Cuando trabajo sobre proyectos comerciales suelo darle ideas a lo que me pide el cliente, luego hago investigación sobre el tema en internet, busco imágenes, busco paletas de colores,  concreto ideas de las formas y las imágenes que quiero trabajar. Luego empiezo a trabajar las formas en el ordenador, hago las composiciones y luego a jugar con los colores. Para mí el color es tan importante como las formas mismas así que dedico mucho tiempo a esta parte, creo varios universos de color hasta quedar satisfecha con uno en particular.

Continue reading

Sonic Vigil 8


Leave a comment

Noise music


DOCUMENTOS

Noise music es un tipo de música caracterizada por la búsqueda expresiva del ruido sin estar dentro de un contexto musical. El ruido puede ser generado de manera acústica, electrónica o ambas, de manera experimental pudiendo incorporar audio manipulado, sonido grabado y procesado, sonido de máquinas e instrumentos no convencionales, procesos aleatorios o al azar, técnicas vocales no tradicionales, transformación de imágenes en sonidos (sonido óptico), generado por computadora o como resultado de un proceso electrónico de señales como la distorsión, entre otras técnicas y recursos experimentales.

Luigi Russolo bajo el movimiento futurista, fue un pionero de la manipulación del sonido, siendo que según sus palabras antes de la máquina solo existía el silencio. Crea los Intonarumori con los que sentó las bases del arte de los ruidos, y dio el comienzo hacia los conceptos de provocación y escándalo como sustentos de arte que llevará al máximo Duchamp con sus gestos antiarte. Evolucionando este camino otras vanguardias como el dadaísmo en Berlin, el surrealismo y el fluxus, como también muchos artistas japoneses (Japanoise, década de 1980) entre otros fueron sentando las bases de lo que hoy significa la exploración, la manipulación y la experimentación con el sonido, el ruido, el cuerpo, las máquinas y el ambiente en el arte, el teatro, la performance, el cine, el video y las manifestaciones digitales y electrónicas.

En esta línea se celebra un festival de música improvisada, sound art y performance, denominado Sonic Vigil en la ciudad de Cork (Irlanda), destinada a la exploración, experimentación e intercambio entre músicos, performers y artistas de distintas procedencias y orientaciones experimentales.

Sonic Vigil 6, recopilación de fragmentos experimentales

Recientemente el artista conceptual Sebastián Hegarty a quién elojosalvaje tuvo la oportunidad de entrevistar, tuvo la gentileza de enviarme un track que consiste según sus palabras en un “sound file de la disolución en ácido realizada a partir de restos de piedra caliza de la Catedral de Winchester. Esta versión fue ligeramente ajustada para enfatizar la percusión que genera la desaparición efervescente de los restos sometidos al ácido. La pieza fue seleccionada de manera aleatoria para acompañar un film (de otro artista) como parte del evento visual del festival Sonic Vigil 8″. (SH: I attach a sound file of an acid dissolve of Winchester Cathedral Limestone. This version has been slightly adjusted to emphasises the percussion of the effervescent disappearance. The piece was randomly selected to accompany a film (by another artist) as part of a visual event at  Sonic Vigil 8.) 

Entrevista de Sebastián Hegarty por elojosalvaje, en la que describe el proceso creativo de sus obras

http://elojosalvaje.com/2014/04/26/sebastian-hegarty/

Sebastiane Hegarty / Sound file Cathedral Rain 3

Más info:

Sebastiane Hegarty / Live Dissolve, disponible en:

Continue reading

locomotion


1 Comment

Locomotion


GALERÍA

Locomotion fue una señal de cable que se emitió entre los años 1996 hasta el 2005, operada por en sus distintas etapas por The Hearst Corporation (1996-2004), Claxson Interactive Group Latin America (1996-2002), Corus Entertainment (2002-2004), PRAMER (2004-2005) y Sony Pictures Entertainment (2005), dedicada a la emisión perpetua (24 horas continuadas) de distintos géneros de series animadas que iban de lo clásico a lo experimental, que situó su identidad sobre la imagen de la era digital y el animé. Con un aire renovador, joven y vanguardista, Locomotion era un canal provocador, exento de la temporalidad y las temáticas que rigen las emisiones televisivas tradicionales, donde se capturaba la atención de un público alternativo de entre 18 y 35 años que iba incorporando los nuevos lenguajes audiovisuales de la web producto de programas como Macromedia Flash (ahora Adobe Flash, para algunos hoy demodé para su uso online), de la música sincronizada y procesada por VJs, la lectura de la ironía y la sátira de los códigos sociales que se avecinaban, y la cultura electrónica.

Locomotion tenia secciones variadas con distintos contenidos, siendo de mi parte las que más recuerdo Retromotion donde se emitían películas animadas clásicas como Betty Boop y Felix The Cat entre otras, Fracto que condensaba un mix animación experimental y música techno, Locotomía con cortos animados y experimentales de todos los tiempos y Japanimotion con lo mejor de la animación japonesa.

La señal se inició como una campaña de arte conceptual, donde se simuló la interferencia pirata del colectivo de arte denominado Grupo Doma a la señal a través de un presunto satélite clandestino, quienes no solo intervenían la señal con sus promos de 5 segundos mientras se emitían los comerciales, sino que también distribuían flyers, stickers, stencils y pósters que preanunciaban sus acciones.

Continue reading

Follow

Get every new post delivered to your Inbox.

Join 456 other followers